“Je suis un peintre qui vient de l’imprimerie” et “CoBrA, c’est mon école”. Ces deux phrases prononcées par Pierre Alechinsky ne peuvent manquer d’être rappelées quand il s’agit d’évoquer l’œuvre de ce peintre internationalement connu, né à Bruxelles en 1927. La formation de Pierre Alechinsky à La Cambre, L’Ecole nationale supérieure d’Architecture et des Arts décoratifs de Bruxelles, l’amena à étudier la typographie, la photographie et l’illustration du livre. Sa rencontre avec le poète Christian Dotremont, et le peintre Asger Jorn l’amena à jouer un rôle important au sein du mouvement CoBrA qui revendiquait la spontanéité dans l’art, rejetant l’abstraction pure et le réalisme socialiste.
De la main gauche Alechinsky peint, dessine et grave. De la main droite, il écrit.

Il est un des rares artistes à avoir traversé le XX -ème siècle en restant fidèle aux techniques traditionnelles : la peinture, la lithographie, la gravure.
Une simple brosse ou un crayon et une feuille suffisent à explorer l’inconnu, à éveiller le désespoir, la joie et l’émotion.

Du 22 mai au 26 septembre 2021 (inclus), la Galerie Azur présente une exposition consacrée à Pierre Alechinsky, figure majeure de l’art contemporain.
La Galerie réunit près de vingt œuvres sous diverses formes et techniques : Lithographies, Gravures et Œuvres Originales .

Exposition à ne pas manquer !

Comme chaque été, nous rouvrons notre ravissant jardin anglais. Un véritable havre de paix situé au cœur de Spa.

Venez déambuler dans les allées, vous irez de surprise en surprise pour y découvrir plus d’une vingtaine de sculptures sous diverses formes et techniques : les sculptures en terre cuite de Françoise Dragon, les charmantes sculptures en verre de la famille Borowski, les sculptures en fer rouillé de Scholte et bien d’autres …

Ces visiteurs heureux et assez particuliers animeront sans aucun doute votre jardin.

Les œuvres de Paméla sont de style abstraction géométrique.

Son expérience en tant que designer se retrouve dans ses œuvres : la facilité avec laquelle elle travaille avec différents matériaux ; la perfection;  le caractère graphique; la recherche et l’expérimentation.  Elle travaille très souvent sur différentes œuvres en même temps. De cette façon, elle peut réaliser, penser, expérimenter et regarder en même temps les différents résultats.

Chaque œuvre est le résultat d’essais et d’expérimentations de formes, de matériaux et de couleurs.

Paméla explore la beauté du quotidien à travers une attitude optimiste. “L’art est une découverte de qui vous êtes et une confrontation de l’âme avec la désillusion du jour. En se focalisant sur la beauté de chaque jour, je me distrais de la douleur et de la peine que j’ai à l’intérieur”.

La nature est une source importante d’inspiration : son œil est capturé par les détails des paysages urbains. Elle se focalise sur la richesse des plans, des structures, des formes colorées et de la lumière des paysages urbains.

Ses œuvres  représentent comment ces impressions glissent l’une sur l’autre et produisent de nouvelles compositions avec des nuances de couleurs infinies.

” Pour moi, travailler est un processus changeant : de la réalité aux proportions géométriques ou expressionnistes. La surface apparemment plane change en un relief à plusieurs dimensions. Le fil capte les détails, les dirigent aux yeux et ajoutent une troisième dimension.”  

Ernest Pignon-Ernest, French visual artist, is one of the pioneers of urban art in France. He never understood art, his art, only as a total commitment: political, poetic, plastic. Since the 1970s, he likes to question, take a position and produce shock images.

“I do not work in situation, I try to implement situations. “

It was the subject of a major retrospective in Nice: MAMAC where nearly 50 years of work were presented. Echoing this news, Ernest Pignon-Ernest. Among them, “Pasolini, if I come back”, “The revolt of Soweto”, “Prisons”, “The journey of Mahmoud Darwish in Palestine” …

Marc-André Metais : quand la peinture tend à sortir du cadre

La Galerie Azur à Spa expose les nouvelles œuvres de l’artiste plasticien theutois. Ces dernières peintures prennent une autre dimension car Marc-André Metais allie l’impression 3D, le travail du bois chantourné, la toile et la peinture. Grâce à ces différentes techniques innovantes, il donne véritablement corps à ses créations inédites. Les jeux de lumières, de profondeurs, de couleurs, de matières, sont encore plus intenses invitant le spectateur à découvrir et à redécouvrir son univers artistique.

Formée en peinture (cours du jour) et en sculpture (cours du soir) à l’Académie des Beaux-Arts de Liège, Cynthia Evers reprenait les pinceaux en 2011 pour donner à son travail un tour à la fois intimiste et profondément engagé dans des thématiques féministes (ou à tout le moins féminines) ; celles-ci n’ont fait que s’affirmer depuis lors, sans donner pour autant à son travail un aspect rhétorique.

La sensibilité prime en effet avant toute chose dans le travail de Cynthia Evers : sensibilité au cadre (très photographique voire cinématographique) et à la lumière, sensibilité à l’autre et à soi, souci de travail fini aussi bien que de la position et de la sensation du regardeur. Décadrages, allusions, poses de dos ou de trois quarts : beaucoup de choses dans les choix de Cynthia — qui pratique presque exclusivement l’acrylique sur toile — disent la pudeur et la retenue, mais signalent tout à la fois une immense attention au détail, un goût certain pour la minutie, une attirance pour le large format.

À maints égards, le jeu en apparence contradictoire du propos et des formes, ou même des proportions, traduit ce mélange chez elle de célébration contenue et d’exaltation, ce besoin de s’émerveiller et ce besoin de (se) préserver.

Sa prédilection pour les pieds et les mains est une façon de ne pas « sexuer » les attributs du contact, l’expression de la tendresse : « En jouant sur une ambiguïté mains féminines/mains masculines, j’ouvre la porte à l’égalité des sexes, au droit de chacun de faire ce qui lui plaît, que l’activité soit à la base jugée féminine ou masculine. Dans mes ‘Transparences’, je me sers de mes mains, mais étrangement les tableaux inspirent des moments masculins. Je réalise que peu de spectateurs sont prêts à hésiter, à imputer l’instant décrit à un homme ou à une femme sans a priori. Pourtant la solitude décrite se veut asexuée… ».